Quizá una de las cosas que los nostálgicos más echan de menos es esa textura granulosa que nos daban los carretes con ISOS altos. Y con toda la razón. El equivalente al grano analógico en la fotografía digital es el ruido, y no tienen nada que ver el uno con el otro; mientras que el grano era una textura más o menos irregular y suave, el ruido es un error digital que se muestra en forma de puntos de colores, con bordes cuadrados. Están repartidos por toda la imagen (aunque se focaliza más en las zonas oscuras) y generan un patrón demasiado regular. Y aunque a los fotógrafos de la vieja escuela les gustaba el grano igual de poco que a nosotros el ruido, hay que reconocer que la textura provocada por el grano analógico es mucho más elegante, más bonita y, en cualquier caso, más vintage.

Por eso, si queremos hacer que una foto tenga un acabado granuloso en posproducción, no podemos sencillamente meterle un filtro de ruido, porque el resultado no será nada satisfactorio. Lo que tenemos que intentar es conseguir ese acabado de grano analógico. Cómo:

La mejor opción es no aplicar el ruido sobre la foto directamente, sino fusionarlo a través de una capa y un modo de fusión. Para ello, crearemos una capa rellena con un gris del 50% y la fusionaremos en modo Luz Suave. Una capa gris en este modo de fusión no alterará en albsoluto la luz y el color de la foto original, pero cualquier modificación que apliquemos sobre ella sí que lo hará. Esta peculiaridad es lo que vamos a aprovechar para crear la textura que buscamos.

Antes de nada, vamos a convertir la capa de gris en Objeto Inteligente para poder trabajar de forma no destructiva.

Luego, le aplicaremos un Filtro de Ruido (Menú Filtro > Ruido > Añadir Ruido). El tamaño del ruido dependerá del tamaño de nuestra foto y de la cantidad o el grosor del grano que queramos generar. Lo que es importante es que sea Gaussiano, para que su reparto sea más aleatorio, y Monocromático, para que desaparezcan los colores del RGB. Podemos previsualizar el resultado directamente en la foto para orientarnos.

No está mal, pero todavía es demasiado duro y preciso. Para suaviazarlo vamos a aplicar un ligero desenfoque a ese ruido: Menú Filtro > Desenfocar > Desenfoque Gausiano. Le daremos un valor muy pequeño, probablemente menos de un pixel, para suavizar el grano sin eliminarlo.

Y ya está.

Como hemos trabajado con un Objeto Inteligente, si no nos gusta el resultado pordemos modificar tanto la cantidad de ruido como de desenfoque que le hemos aplicado. Sólo tenemos que hacer doble click en el nombre del filtro que aparece bajo la capa gris.

El resultado es muy bueno, muy parecido al grano analógico.

Este mismo recurso de la capa gris lo podemos aplicar para generar todo tipo de texturas, tramas, rugosidades, simulaciones de papeles antiguos… Mientras sea próximo a un gris al 50% la luz y el color originales de la foto no se verán alteradas.

Y como es un proceso no destructivo, podemos hacer una Acción siguiendo estos pasos para agilizar el proceso. Cuando lo apliquemos sobre otra foto sólo tendremos que entrar en los filtros y modificar la cantidad y tamaño de grano.

Rápido, fácil e indoloro.

The post Efecto grano analógico en Photoshop appeared first on Laura Reyero.

Yo misma aporto mi granito de arena en ambos espacios, y por eso soy consciente de la cantidad de malos usos que se comenten. Aunque creo que ser autodidacta es fantástico, hay que tener cuidado con los tutoriales que hay en internet, porque no todos ofrecen los mejores consejos.

Una buena edición con Photoshop, una edición profesional, parte de un concepto básico: no debe ser destructiva. Esto signfica, en esencia, que deberíamos poder rehacer en cualquier momento cualquier paso del proceso. Si hemos corregido una dominante azul de la foto y, varias acciones después, nos arrepentimos, deberíamos poder rectificarlo sin tener que deshacer todo el trabajo que hayamos hecho en medio. De este modo, cualquier corrección que necesitemos hacer a posteriori, no nos llevará demasiado tiempo, no destruirá parte de nuestro propio trabajo y no dañará el archivo original.

Estas son algunas de las malas prácticas que vemos en muchos tutoriales en la web y deberíamos evitar:

Duplicar capas: es algo que se debe intentar evitar, en la medida de lo posible. Cada vez que duplicamos una capa el archivo pesa más, necesita más ram y el funcionamiento del programa se ralentiza. No deberíamos duplicar capas a menos que estemos siguiendo un proceso concreto que nos obligue a hacerlo (separación de frecuencias, IHP, etc). Pero nunca para ir haciendo un histórico del proceso ni para aplicar un ajuste selectivo.

Aplicar ajustes sobre capas y luego borrar: es uno de los métodos que se cuentan en internet para hacer correcciones selectivas. Se duplica la capa, se le aplica un ajuste, y luego se borran las zona que no queremos que tengan ese ajuste. Hay formas más adecuadas de hacerlo.

Historia y pincel de historia: es otro método común para hacer correcciones selectivas, ir a un determinado paso de la historia y utilizar el pincel de historia para corregir una zona concreta. El problema es que en cuanto hayamos perdido ese estado de la historia, ya no hay nada que hacer.

Cómo debería ser el proceso en realidad:

Deberíamos seguir siempre un orden de trabajo correcto, una serie de pasos a la hora de hacer un proceso de edición. Primero, transformaciones, licuados, fotomontajes, etc. (en este paso sí que habría que duplicar la capa, para preservar la imagen original) Después, retoque (todo el proceso de clonado) en una capa superior. Luego, la colorización, ya sea de toda la imagen o por zonas. Y por último, enfoques, recortes, etc.

Todos los ajustes se deben hacer en capas: si aplicamos un ajuste a través del menú Imagen > Ajustes, tendremos dos problemas: el primero es que el ajuste se aplicará a toda la imagen y no lo podremos aplicar a una zona determinada. El segundo, no lo podremos rectificar a posteriori. Cualquier ajuste se debe aplicar siempre a través de una capa de ajuste, a la que podremos aplicar una máscara para que sólo afecte a una zona determinada de la imagen, y la cual podremos corregir en cualquier momento.

Todos los tratamientos se deben hacer por zonas, con máscaras. Las máscaras son la esencia de Photoshop, lo que nos permite hacer una edición selectiva y precisa. Las podemos aplicar en cualquier capa y nos permitiran mostrar u ocultar lo que queramos en cada momento.

Además de todo esto, es fundamental guardar el archvio en psd. De este modo podemos abrirlo en cualquier momento y rectificar cualquer parte del proceso de edición, conservando siempre intacta la imagen original.

The post Edición no destructiva appeared first on Laura Reyero.

Aquí me podéis ver durante el curso de Vídeo con DSLR en el estudio de Olga Guarddón
Ahora comienzo una nueva etapa en una nueva escuela. Esta vez Too Many Flash ha confiado en mis dotes de Photoshop y me ha encomendado la misión de impartir sus cursos y talleres de Posproducción Fotográfica. ¡Y empezamos muy prontito! El próximo 28 de enero comienza un curso de Edición Digital que planteará una sólida base del trabajo de edición y retoque. En este enlace podéis encontrar toda la información del curso: matrícula, precio, temario…

Más adelante está previsto un taller especializado en Edición de Retrato y Moda, donde trataremos retoque de pieles, selecciones de pelo, edición selectiva de color… pero esto aún es un secreto, así que ¡Shhhhhhhhh! ¡No se lo digáis a nadie! ;)

¡Nos vemos en la escuela!

The post Año nuevo, cole nuevo appeared first on Laura Reyero.

Pero en mis clases he podido darme cuenta de que, para un principiante, es difícil distinguir en qué situaciones se debe usar una herramienta y en cuáles la otra. Bien es cierto que tienen ciertos parecidos y que a veces se obtiene de ellas el mismo resultado, pero hay una serie de detalles que las distinguen y las hacen óptimas para una u otra acción.

El tampón de clonar es más fácil e intuitivo. Se trata sencillamente de un pincel que clona, es decir, reproduce con total exactitud el color y la textura de la muestra que se esté utilizando. Como todos los pinceles, se puede utilizar con mayor o menor tamaño, dureza en el borde y opacidad. En este caso, recomiendo utilizarlo siempre con la máxima opacidad, ya que esta herramienta sólo tiene sentido cuando queremos copiar algo (si lo que queremos es pintar con poca opacidad, es mucho mejor usar un pincel).

El pincel corrector (junto con el pincel corrector puntual y el parche) es uno de esos packs de herramientas que están basados en un mismo concepto madre: se trata de una herramienta inteligente que hace un cálculo de la zona a tratar copiando la textura de la muestra y haciendo un pronóstico de color con el área que tiene alrededor. Básicamente, el pincel corrector, o cualquiera de sus variantes, es en sí mismo una separación de frecuencias.

El pincel corrector puntual se diferencia en que también calcula de manera automática la textura, por lo que no es necesario tomar una muestra. El parche, en cambio, sí que necesita una muestra. La diferencia radica en que esta muestra se toma a posteriori, no a priori, y que en vez de trabajar con pincel, se trabaja con un área seleccionada.

De los tres, el que a mí me parece más preciso y que funciona mejor es, con diferencia, el pincel corrector. Es más preciso por tratarse de un pincel, y tiene más porcentaje de aciertos porque no es automático. ¡Cualquier automatismo es siempre más torpe que el cerebro humano! Si somos nosotros quienes decidimos la muestra, fallaremos mucho menos. Evidentemente, tenemos que intentar que la muestra sea buena y encaje con el fin de nuestro propósito.

Una vez diferenciados los conceptos, veamos una serie de casos prácticos y cuál de las dos herramientas (tampón de clonar o pincel corrector) sería más correcto utilizar:

Limpieza de superficies

Habitualmente tenemos pequeñas manchas sobre una superficie más o menos lisa. Erróneamente, la inmensa mayoría de la gente utiliza el tampón de clonar para solucionar este problema. Funcionaría bien si la superficie a retocar fuese totalmente homogénea, o si la muestra estuviese siempre suficientemente cerca como para que fuese lo bastante igual. Pero en el momento en que la zona que estemos retocando tenga degradados o diferencias de color, el tampón ya no nos servirá, porque nos resultará muy difícil encontrar una muestra que sea exactamente igual en cuanto a color y a textura que el destino, y se notarán mucho las pinceladas. En cambio, con el pincel corrector no tenemos más que buscar una muestra con la misma textura, y él sólito calculará el color, integrando el retoque perfectamente en la foto.

Uno de los retoques más comunes, en cuanto a limpieza de superficies, son las pieles con algún granito o alguna marca. No es la mejor forma para retocar una piel, ni de lejos, pero puestos a elegir, es mejor utilizar el pincel corrector para este tipo de retoque que el tampón, ya que el resultado será mucho más limpio y el proceso mucho más fácil.

El gran problema que tiene el pincel corrector (y que nos obliga a utilizar el tampón de clonar en muchas situaciones) es que funciona muy mal cuando el pincel roza un borde o una zona de contraste. Al hacer un pronóstico del color en función de los píxeles que rodean la superficie del pincel, integra el color diferente de ese borde en la zona retocada, dando lugar a un resultado habitualmente nefasto.

Si tenemos que corregir alguna imperfección que esté junto a un borde, una de dos, o utilizamos el tampón de clonar (intentando no salirnos del borde con el pincel), o utilizamos el pincel corrector tomando como muestra otro borde que sea exactamente igual que el nuestro. De esta forma, el pincel corrector entenderá que ha de respetar esa forma y ese color.

Añadir o quitar

Hablamos de poner o quitar pelo, un tirante, botones, una farola que se nos haya colado en primer plano, o en casos muy marcianos, ojos, manos… En este caso, utilizaremos en un porcentaje mucho mayor el tampón de clonar que el pincel corrector. Cuando retocamos una foto, tenemos que pensar siempre que estamos trabajando con un elemento que tiene dos dimensiones. Si vamos a borrar algo de la imagen , no habrá nada detrás de ese algo, por tanto, tendremos que recrearlo, que pintarlo. Para ello, iremos cogiendo muestras que nos permitan ir recreando el fondo (o cualquier otra cosa) para eliminar el elemento en cuestión.

En el caso de que vayamos a añadir algo a la imagen, en muchos casos nos bastará con el tampón de clonar, copiando pequeños trozos, variando el tamaño del pincel, incluso la inclinación de la muestra (ventana Origen de la clonación). Puede ser el caso de algún mechón de pelo que falte o algún elemento repetido en la ropa.
Pero si queremos introducir en la imagen un elemento que hayamos sacado de la misma foto y no queremos que se aprecie la repetición, tendremos que recurrir al fotomontaje.

Perfeccionar un fotomontaje

Un fotomontaje es la unión de dos trozos de foto (pueden provenir de la misma o de diferentes fotos). Para hacer un fotomontaje cada trozo que vayamos a unir estará en una capa diferente, con lo que podremos manipularlos, deformarlos, transformarlos, licuarlos, fusionarlos… a nuestro antojo. Pero finalmente siempre tendremos que disimular la unión de este montaje, y las herramientas que utilizaremos para hacerlo serán, nuevamente, el tampón de clonar y el pincel corrector.
El tampón lo utilizaremos más cuando nos encontremos cerca de cualquier tipo de borde y el pincel corrector será nuestro gran aliado cuando se trate de hacer degradados de color y disimular imperfecciones. En este caso, utilizaremos ambas herramientas alternativamente y más o menos en el mismo grado.

En este time lapse se puede ver un ejemplo de fotomontaje donde utilizo una y otra herramienta para disimular los cortes. Pasándolo frame a frame se puede cotillear el proceso mucho mejor :D

Una cosa muy importante para el uso de estas dos herramientas que nos ayudarán a hacer una edición no destructiva: si nos fijamos en la barra de opciones de la herramienta (de cualquiera de ellas) hay un desplegable donde podemos elegir si queremos trabajar con la información que existe en la capa actual, con la que existe en la capa actual y todas las inferiores, o con la que hay en todas las capas (inferiores y superiores).

Para hacer un retoque no destructivo, siempre que utilicemos una u otra herramienta deberíamos hacerlo en una capa nueva, vacía, activando la opción “actual e inferior”. De esta forma, no alteraremos la capa fondo, que debería ser intocable, y si más adelante no nos convence el resultado de nuestro retoque, no tenemos más que irnos a la capa donde hemos hecho nuestro retoque y borrar :)

The post Tampón de Clonar vs. Pincel Corrector appeared first on Laura Reyero.

+ 1 caja de donut

+ mañana de sesión

+ 9 fotos

+ 6 horas de retoque

=

Y sí, al final nos comimos los donut :D

The post Donut – Retouching Time Lapse appeared first on Laura Reyero.

Cuentan que fue así como surgió el famoso proceso cruzado: alguien confundió los químicos y reveló película diapositiva con químicos de película negativa, dando lugar a un revelado que alteraba el color de una forma irreal y fantástica. Como muchos otros trucos de laboratorio, el revelado cruzado se estudió, perfeccionó y popularizó enormemente a lo largo de las décadas de los 80 y los 90.

Imágenes contrastadas, colores saturados y distorsionados. Los negros se empastan ligeramente, mientras las sombras adquieren una dominante azul. Los rojos se tornan magentas y las luces se tiñen de amarillo verdoso. Las pieles suelen quedar amarillentas en las zonas de las luces, y rosadas en las sombras, y los labios ligeramente morados. El aspecto efectista e irreal de este proceso quizá no funcionaba muy bien en un paisaje, o en el retrato de un alto directivo, pero encajó a la perfección en el excéntrico mundo de la moda, dando lugar dentro de ella a toda una corriente estética.

Ahora la fotografía digital ha popularizado el proceso de posproducción, antes accesible sólo para unos pocos. Infinidad de aplicaciones y softwares están al alcance de cualquier usuario, filtros y revelados que nos permiten imprimir en la imagen virados, contrastes, incluso texturas. Todo un laboratorio especializado a golpe de click.

Hacer un revelado cruzado en Photoshop es una técnica muy sencilla, que incluso podemos automatizar en una acción.

Lo primero es entender que el resultado dependerá mucho de la imagen a tratar. Cuanto menos contraste tenga la imagen y más luminosa sea, mejor resultado dará el proceso. Si la imagen está muy contrastada de por sí, o tiene muchas zonas oscuras, se puede aplicar el mismo efecto, pero menos forzado. Vamos allá:

1. Para empezar, crearemos una capa de curvas para acentuar el contraste de la imagen (utilizar siempre las curvas en una capa, nunca hacerlo sobre la propia imagen). Para ello, trazamos una S en las curvas, aclarando las luces y oscureciendo las sombras. Prefiero no especificar cuál tiene que ser el nivel de contraste porque dependerá de cada foto y, sobre todo, de cada autor. Una vez estemos satisfechos con la curva, se fusiona esta capa en modo luminosidad. Esto es importante porque cuando se modifica el canal RGB en las curvas, afecta también a la saturación de la imagen, y es mejor que el color se controle por otro lado.

2. Ahora crearemos una segunda capa de curvas para el tratamiento del color. Para hacernos una idea más exacta de cómo va quedando, antes de empezar a tocar los colores, se debe fusionar esta capa en modo color, de modo que la luminosidad no se verá afectada.

Si abrimos el desplegable de los canales de color, podemos seleccionarlos uno por uno y tratarlos por separado. En el canal rojo trazamos  una S parecida a la de la curva de luminosidad, aunque aquí el último punto de la curva (255) debemos arrastrarlo un poco para que quede pegado a la parte superior del gráfico. Vemos cómo las zonas luminosas de la foto se van tiñendo de un rojo muy poco agradable, pero tranquilidad, enseguida se corrige.

3. Con el canal verde debemos hacer especial hincapié en la zona de las luces, manteniendo las sombras casi intactas, o un poco subexpuestas, pero poco. Vemos que la dominante roja se corrige casi en su totalidad, tiñendo la imagen de un naranja verdoso en las zonas claras, mientras que las oscuras no difieren mucho del original.

4. En este paso es donde la imagen adquiere esa pátina azulada en las zonas oscuras que caracteriza al proceso cruzado. Para ello, desplegamos el canal azul y cogeremos el punto de la curva correspondiente al negro (0), y lo arrastraremos hacia arriba, manteniéndolo pegado a la izquierda. Lo desplazaremos hasta que veamos que los negros se empiezan a teñir de azul, pero sin que sea excesivo. Con el punto blanco (255) haremos lo mismo, arrastrándolo hacia abajo, pero en menor medida. Con esto ya casi podríamos dar el revelado por terminado, aunque aún podemos perfeccionarlo un poco.

5. Creamos una capa vacía, que rellenaremos de un color sólido para amarillear un poco más la imagen. Elegimos en la gráfica de color un buen amarillo pollo, y lo aplicamos, fusionando la capa en modo color. La opacidad de esta capa debe estar en torno a un 10% para que el resultado sea satisfactorio.

6. Por último, y eso ya es opcional (aunque yo creo que el resultado final se perfecciona) podemos crear una capa más, también en modo color y también con una opacidad del 10%, con el color inverso al amarillo que hayamos elegido (ctrl + I para conseguirlo), lo que restará un poco de dominante amarilla en determinadas zonas, e intensificará algo la dominante azul.

Y ya está,  con esto tendríamos un revelado cruzado bastante similar al que se obtenía cruzando los químicos, aunque de una forma más rápida, más precisa y, sobre todo, mucho más barata :). Sobra decir que, una vez aplicado el efecto, podemos corregir los puntos de las curvas, incluso la opacidad de las capas, hasta dar con el resultado óptimo para nuestra foto. Fácil, ¿no?

The post Procesos cruzados: del laboratorio a Photoshop appeared first on Laura Reyero.

Después de asistir a un par de presentaciones y haberlo probado personalmente durante un tiempo, creo que ya puedo sacar mis propias conclusiones ante las novedades:

Nuevo diseño: aparte de una modernización de toda la iconografía, que ya iba tocando, Photoshop se ha puesto de luto. Han oscurecido toda la interfaz llevándosela a un gris oscuro, aunque curiosamente Camera Raw ha mantenido el tono de siempre. Muchos defienden que trabajar sobre fondos oscuros y con las luces apagadas ayuda a concentrarse en la imagen, pero es algo que a mí siempre me ha resultado muy incómodo. Los tonos claros dan sensación de amplitud y calma, mientras que los oscuros contraen el espacio, haciendo las habitaciones, por ejemplo, más pequeñas y las fotos también. Así a priori se me ocurre que el papel se inventó en blanco y la tinta en negro y no al revés, y que la inmensa mayoría de las galerías tienen sus paredes blancas. En cualquier caso no es un problema, ya que podemos elegir el tono de gris deseado en el menú preferencias.

Camera Raw 7: Las opciones de revelado de Camera Raw también han cambiado (y mejorado). Los controles de corrección de luz nos permiten controlar no sólo la exposición y el contraste, sino también todos los grises de la imagen de forma individual (blancos, negros, tonos claros y tonos oscuros). Esto lo hace mucho más intuitivo, ya que sigue el mismo código que los niveles o las curvas. También se notan ligeras mejoras de respuesta y mayor control del revelado.

Herramienta recortar: ha cambiado radicalmente, en diseño y usabilidad. Es curioso que una herramienta tan sencilla como esta estuviese tan anticuada en Photoshop. La nueva herramienta recortar ahora se asemeja muchísimo a la de Lightroom o a la de cualquier programa de gestión de imágenes. Es más cómoda y sencilla de utilizar, y la cuadrícula permite enderezar las fotos al mismo tiempo que se recortan sin necesidad de guías.

Parche: Hasta ahora el parche ha sido una herramienta frustrante, que la mayoría de las veces daba resultados negativos, sobretodo cuando nos acercábamos a los bordes de la foto y nos devolvía esa mezcla de colores sucia y borrosa. Parece que los chicos de Adobe han solventado ese problema al introducir la opción “rellenar según contenido”, aunque siempre habrá que perfilar un poco los bordes del retoque de forma manual. Sin embargo no lo han sustituido, sino que también han dejado la opción “normal”, supongo que para los nostálgicos.

También tenemos una nueva herramienta dentro de este grupo llamada “Movimiento con detección de contenido”, que podemos utilizar para mover de sitio un elemento de la imagen. Al desplazar dicho elemento, Photoshop se encargará de rellenar el hueco que ha quedado vacío en función del contenido que exista alrededor. Claro, que los resultados serán mejores cuanta menos información tenga el fondo, y siempre habrá que retocar después la zona, pero nos puede ahorrar gran cantidad de tamponazos en un momento dado.

Galería de desenfoques: se han incorporado tres nuevos filtros de desenfoque selectivo. Son muy atractivos y ofrecen unos resultados muy vistosos, pero ¡mucho cuidado al utilizarlos! Photoshop no sabe reconocer en qué ocasiones puede desenfocar una determinada zona, y se necesitan unos mínimos conocimientos de óptica para utilizarlos con propiedad. El primero de ellos, “Desenfoque de campo”, nos permite establecer puntos en la foto e indicar un nivel de desenfoque para cada uno de ellos. De este modo, podemos reforzar el propio desenfoque de una imagen o crear una imagen con poca profundidad de campo a partir de una fotografía plana. El desenfoque es progresivo, desde el centro hacia afuera, pero si situamos bien los puntos y no lo forzamos demasiado puede quedar un resultado interesante.

El segundo, “Desenfocar iris”, mucho más artístico y menos puramente fotográfico, nos permite colocar puntos y definir un área de desenfoque alrededor de esos puntos. Podemos conseguir una estética parecida al movimiento pictorialista de finales del XIX, pero poco más. No es aconsejable introducir varios puntos ya que una óptica nunca podría enfocar áreas aleatorias de una imagen desenfocando progresivamente alrededor.

El último, “cambio de inclinación”, nos permite generar una mínima profundidad de campo. Los objetivos macro son capaces de generar imágenes con este tipo de desenfoques, por eso si se lo aplicamos a un paisaje de una ciudad, puede parecer una maqueta, aunque es mucho más aconsejable utilizarlo, por ejemplo, en foto producto. En cualquier caso, sólo sería correcto utilizar este filtro en fotografías donde exista una gran profundidad.

Motor Mercury Graphics Engine: una de las cosas que presentan una excelente mejora es la fuerza del nuevo motor de Photoshop, especialmente visible en herramientas como el filtro de licuar. Con cada nuevo modelo de cámara que sale al mercado, las fotos son cada vez más y más pesadas y, en momentos en los que el programa necesita interpolar demasiado, como es el caso del licuado, se atasca. Pero con este nuevo motor, el filtro de licuar ofrece resultados instantáneos, a tiempo real, lo que agiliza el trabajo y reduce la paciencia.

Nuevo filtro de corrección de angular: presenta mejoras con respecto al filtro “Corrección de lente” o a la propia herramienta de corrección de lente del Camera Raw. Con este nuevo filtro podemos corregir la imagen línea a línea y no de forma global, con lo que nos aseguramos que toda la deformación de la óptica queda perfectamente corregida independientemente del ángulo en el que haya sido tomada la fotografía. Podemos corregir al mismo tiempo la curvatura de la lente y la deformación producida por la perspectiva.

Autorrecuperación: sin duda alguna, la mejor mejora. ¿Quién no ha perdido alguna vez horas de trabajo por haberse olvidado de guardar el documento? ¿eh? ¿quién? Todos hemos caído alguna vez en el mismo error. En el paquete CS5, Premiere ya traía la opción del autoguardado, y ahora se incorpora a Photoshop ligeramente modificado: no es exactamente un autoguardado, ya que esto podría machacar el documento si por ejemplo estamos haciendo algún experimento. Se trata de un guardado automático de información de recuperación, es decir, el programa va guardando datos que le permitan reconstruir la imagen en caso de que haya un cierre inesperado del programa o se “cuelgue” el ordenador, de modo que, al volver a abrir el archivo, podemos recuperar el trabajo que llevábamos hecho. Hay que decir en este punto que ¡ya era hora! Con suerte, en la próxima actualización nos dejan guardar la historia :)

Guardar en segundo plano: es una gozada para cuando se hacen trabajos muy laboriosos, con muchas capas, en archivos muy pesados y con muchos bits de información. Cada vez que le dábamos a Ctrl + S para hacer un guardado del documento, podía llegar a tardar alrededor de un minuto. No es que esto haya cambiado, pero ahora Photoshop nos permite seguir trabajando mientras él guarda el documento en un segundo plano.

Selección en función del tono de piel: es una mejora de la herramienta “Selección por gama de colores”.  Ahora esta herramienta es capaz de buscar y seleccionar tonos de pieles aunque, por lo que yo he probado, no da muy buenos resultados. Hay que perfeccionar mucho la selección posteriormente.

Vídeo: la edición de vídeo ha sido para mí la gran desilusión. Es cierto que es muy intuitiva y para alguien que no sabe editar y tiene que hacer una pequeña composición con imágenes en movimiento puede resultar muy útil, pero para lograr un resultado profesional es muy escasa. No hay herramientas óptimas, muy pocos efectos y al motor le cuesta soportar vídeos en HD 1080p. Seguiremos con Premiere.

En definitiva, más y mejores herramientas pensadas para hacernos el trabajo más fácil, más cómodo y más rápido. Sin duda merece la pena hacer el cambio. La vida evoluciona, y Adobe evoluciona con ella ;)

The post Novedades de Photoshop CS6. Opiniones de una fotógrafa. appeared first on Laura Reyero.