Todo comenzó cuando el joven Terry quería ser batería de Jazz. La mejor forma que se le ocurrió para desplazarse de Inglaterra a los Estados Unidos fue enrolarse en la compañía aérea British Airways donde, a falta de vacantes como auxiliar de vuelo, le pusieron una cámara en la mano y le encargaron hacer fotos de quienes llegaban al país. Fue en ese preciso momento cuando un golpe de suerte cambió por completo su destino, y una fortuita fotografía del Secretario de Asuntos Exteriores durmiendo en el aeropuerto le abrió las puertas del fotoperiodismo londinense. Era 1959 y Terry O’Neill cumplía su primer encargo en el periódico Daily Sketck: retratar a Lawrence Oliver.

El propio fotógrafo reconoce su suerte: “estaba en el lugar y el tiempo correctos, la década de los 60 en Londres. Fue una edad de oro, cada día ocurría algo nuevo y emocionante”. Eran los Swinging Sixties, una época de efervescencia creativa que siguió a la austeridad de la posguerra y que Terry O’Neill contribuyó a dibujar.

Fue espectador activo de la formación de grupos musicales como los Beatles o los Rolling Stone, de la invención de la minifalda y de la aparición de las primeras supermodelos, caracteres femeninos con gran personalidad. Y es que Terry no se limitaba a observar lo que estaba pasando, sino que participaba en el curso de los acontecimientos en ese epicentro de la cultura popular. No sólo retrató a sus protagonistas, también se integró y colaboró con ellos.

Cuenta el autor que sus archivos contienen cerca de dos millones de negativos con fotografías de las más grandes estrellas del cine y la música. 62 de ellas han viajado a España por primera vez, y se pueden visitar en el Espacio Fundación Telefónica, desde el pasado 11 de octubre hasta el próximo 12 de enero. La retrospectiva “El rostro de las leyendas” recorre las cinco décadas del trabajo del artista, y coincide con el 50 aniversario de una de sus primeras fotografías, unos jovencísimos Beatles posando en el patio trasero de los estudios Abbey Road durante la grabación de su primer disco.

Su amistad con actores británicos en boga como Michael Caine o Richard Burton fue su pasaporte al mundo del cine. A lo largo de dura jornadas de rodaje, armado con una gran paciencia y su discreta cámara de 35 mm, retrató a las grandes estrellas de Hollywood, plasmando en sus imágenes un nivel de intimidad inédito. Mantenía con los sujetos que fotografiaba una gran relación, logrando colarse en su intimidad. Su estilo no se define por su luz o una gran puesta en escena, sino por la confianza con el retratado. “Para mí, la manera de fotografiar era rendir un tributo a esa persona con la que había pasado tiempo y les apreciaba, veía sus virtudes. Por eso nunca traicioné ni traicionaría su confianza contando lo que he visto al estar con ellos, y mucho menos fotografiándolo”.

En las décadas de los 80 y 90 se dejó seducir por el mundo de la moda, fotografiando a las grandes supermodelos, aunque mantuvo la relación con las estrellas del rock, que han sido una constante en su carrera. A lo largo de sus cinco décadas de producción fotográfica ha creado algunas de las más grandes portadas de la prensa, la música o el cine, imágenes icónicas de icónicos personajes.

Paul Neuman, Bruce Springsteen, Clint Eastwood, Robert Redford, Sean Connery, David Bowie, Michael Caine, Raquel Welch, Audrey Hepburn, Ava Gardner, Marlene Dietrich, Brigitte Bardot, Isabella Rossellini, Orson Welles, Lee Marvin, Muhammad Ali, Frank Sinatra, Winston Churchil, Nelson Mandela, Ava Gardner, Elizabeth Taylor, Al Pacino. Son sólo alguno de los rostros que pasaron por su cámara.

En la actualidad, el fotógrafo de las leyendas tiene 75 años y su trabajo se exhibe en galerías nacionales y colecciones privadas de todo el mundo. Algunos de los más importantes premios internacionales de fotoperiodismo llevan su nombre.

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Durante casi 60 años Doisneau recorrió una y otra vez las calles de París reflejando con su cámara su mundo coetáneo. Retrató lo que era visible para todos y lo que nadie quería ver. Su mirada captó momentos únicos, efímeros, puntos de vista singulares. Tenía una peculiar visión para reflejar la anécdota y la ternura en una sola toma. Sus imágenes no son grotescas, no ridiculizan, ni siquiera ponen a nadie en evidencia. Son imágenes simpáticas, amables y enternecedoras.

Doisneau fue el fotógrafo de los niños, de los besos, de los pintores callejeros, de los transeuntes, de las miradas furtivas, de la torre Eiffel. Nos ha dejado un legado de valor incalculable, un testimonio de la evolución de la vida en las mismas calles de la misma ciudad a lo largo de más de medio siglo.

Desde aquí, feliz cumpleaños, maestro.

“El pueblo de París, al frotarse con el mobiliario urbano, ha dado a la ciudad esta pátina tal vez amable. Así, yo mismo me he pateado las calles tantas veces, he participado tanto en el bruñido de sus adornos, que por primera vez en mi vida me siento vagamente propietario. No obstante, quisiera pertenecer a la especie poco común de los propietarios liberales, dejar mi puerta abierta de par en par”.

Robert Doisneau

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Pero en los años 20 y 30 la fotografía de moda da un gran salto de la mano de fotógrafos como Edward Steichen, Hoyningen-Huene, o Horst P. Horst. Estos grandes artistas introdujeron el Modernismo en la imagen de moda, sacándola de la corriente pictorialista que había triunfado en años anteriores y renovándola con una estética mucho más puramente fotográfica.

Si nos paramos un momento a analizar estas tempranas imágenes, lo primero que podemos destacar es el uso de la forma como elemento protagonista. La geometría modernista está presente en todas y cada una de estas imágenes. Por regla general, los fondos están salpicados de líneas rectas, sobre los que destaca el elemento curvo: la mujer, protagonista por excelencia de la imagen de moda. Acompañando la curva femenina, muchas veces las composiciones se complementan con una serie de objetos cotidianos que ayudan a crear este contraste geométrico: la línea curva frente a la línea recta.

También tienen especial relevancia dentro de este estilo la importancia de las siluetas, que toman la forma de esos elementos geométricos convirtiéndose en figuras planas cargadas de líneas. Es curioso observar como ya en los tempranos años 30 la fuerza de la composición en la imagen de moda prima por encima del detalle del vestido. Podemos observar siluetas en elementos del decorado que se sitúan en el primer plano, en la propia figura femenina, que muchas veces oculta su cara manteniéndose en la sombra, o en las sombras proyectadas contra los fondos, recurso que ya comienzan a utilizar estos grandes pioneros de la iluminación.

Y es que a diferencia de las imágenes de moda que habían precedido el movimiento modernista, y diferenciándose también de la imagen realista que lo sucederá, los modernistas van a olvidarse de los grises medios centrándose en los blancos y en los negros, llenando las imágenes de interesantes contrastes.

No nos pasan desapercibidos los curiosos esquemas de iluminación que empleaban, tan diferentes a los que estamos acostumbrados a ver hoy día. Se ha hablado mucho de la magia de la iluminación de los años 20 y 30. Hoy día se parece mucho más a una iluminación teatral que a una iluminación típica de un estudio fotográfico; grandes contraluces cenitales marcan brillos en el cabello y los hombros de las modelos, provocan contraluces y marcan esas siluetas de las que hemos hablado. Esta luz teatral deja muchas veces el rostro del modelo en un segundo plano, ocultando la mirada, marcando sombras e incluso dejando subexpuesto al sujeto protagonista. Una vez más, la forma prima por encima de todo.

Queda hablar de las musas, de las protagonistas de estas escenas, esas mujeres elegantes y sofisticadas que supieron luchar por sus derechos en la época que les tocó vivir. Liberadas por fin de la cárcel de los atuendos en los que estuvieron encerradas durante tantos siglos, visten vestidos sueltos, mucho más funcionales. Sus poses son tranquilas y relajadas, no son agresivas, pero no son estáticas. De alguna forma nos trasmiten la sensación de que se están empezando a mover, poco a poco, de una forma muy sutil. No miran desafiantes a cámara pero tampoco están quietas. Sus manos buscan algo que hacer, una pequeña acción que será el comienzo de una progresiva y gran revolución. Una actitud que estos grandes maestros, estos primeros gurús de la moda, supieron ver, y supieron reflejar.

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8 de agosto de 2010, Château de Clervaux, Luxemburgo. Han pasado 55 años y me dispongo a atravesar la puerta de ese castillo que guarda con recelo a The family of man.

Ha pasado mucho tiempo y en estos últimos años han cambiado las sociedades, la manera de vivir y de pensar. Pero The family of man sigue guardando su esencia, su intención de mostrar a través de la fotografía la experiencia humana universal sigue en auge.

Nos remontamos a mediados del siglo XX. Por aquel entonces Edward Steichen era director del departamento de fotografía del MoMA. Llevaba varios años, tres en concreto, gestando un gran proyecto fotográfico, uno a escala mundial. Se trataba de una exposición colectiva en la que podrían participar fotógrafos, profesionales o aficionados, de todos los lugares del planeta. El único requisito, un tema común: la humanidad. Según el propio Steichen, se trataba de ofrecer una visión general de las particularidades y similitudes entre las diferentes etnias y culturas y demostrar la capacidad de la fotografía para reflejar la experiencia humana universal.

La labor de convocatoria no fue fácil, pero fue fructífera. Tras viajar por más de veinte ciudades, innumerables publicaciones en prensa y entrevistas pidiendo colaboraciones, él y sus ayudantes emprendieron la tarea de revisar y seleccionar los 2 millones de fotografías que fueron recibidas en el museo. Una primera criba las redujo a tan sólo 10.000. Finalmente las destinadas a la exposición fueron 503 imágenes de 273 fotógrafos (163 americanos) de 68 países diferentes.

Tras una temporada en el MoMA, The family of man emprende su viaje alrededor del mundo. Primero por los Estados Unidos (Minneapolis, Dallas, Cleveland, Philadelphia, Baltimore y Pittsburgh), y después por 37 países alrededor del globo. Se estima que más de 9 millones de personas fueron a visitarla durante los 8 años que duró el recorrido. Un proyecto de todos. Una muestra para todos.

Hoy, tras la pertinente cesión de derechos y una larga tarea de restauración, la exposición descansa en el país de origen de su creador, dentro de un castillo que corona un pequeño y perdido pueblo luxemburgués. La muestra se mantiene tal y como fue concebida en su día, para deleite de los que, como yo, nacimos demasiado tarde para vivirla en su época. Dos largas plantas conectadas por una escalera de caracol, donde las diferentes salas van mostrando al espectador los misterios de la vida humana.

El nacimiento, la niñez, la educación, la juventud, el trabajo, la madurez, la vejez, la mujer, la sanidad, el matrimonio, la alegría, la tristeza, la muerte, la diversión… paseando por las salas puedes darte cuenta de la cantidad de aspectos comunes del ser humano, de las escasas diferencias de los habitantes de Guatemala con respecto a los de Japón. Estamos todos hechos con un mismo molde, seguimos un mismo camino, formamos parte del mismo ciclo. Las mismas bondades, las mismas maldades.

A lo largo de la muestra, imágenes que te hacen sonreír, estremecerte y llorar. Te asustan, te sorprenden y te conquistan. Fotografías extraordinariamente humanas, producto de la humanidad, reflejo de la humanidad.
Lo más impresionante de la exposición, el diseño del espacio. Sala tras sala las imágenes te envuelven, no sólo por su contenido, también por su distribución. Fotografías desde el suelo hasta el techo, de todos los tamaños imaginables, en todos sitios, por todas partes. Unas montan sobre otras, algunas son gigantes, otras diminutas. A veces tienes que agacharte para verlas y otras veces tienes que mirar al techo. Forma y contenido reflejan a la vez la igualdad y la diversidad de la experiencia humana. Ninguna sala es igual que otra. Ninguna deja de sorprenderte.

Se dice que The family of man ha sido la mayor empresa fotográfica de todos los tiempos. ¿Habrá alguna vez otra que la supere? ¿Se volverá a gestar un proyecto de tal grandiosidad, de tal diversidad, de tal humanidad?

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