Cuentan que fue así como surgió el famoso proceso cruzado: alguien confundió los químicos y reveló película diapositiva con químicos de película negativa, dando lugar a un revelado que alteraba el color de una forma irreal y fantástica. Como muchos otros trucos de laboratorio, el revelado cruzado se estudió, perfeccionó y popularizó enormemente a lo largo de las décadas de los 80 y los 90.

Imágenes contrastadas, colores saturados y distorsionados. Los negros se empastan ligeramente, mientras las sombras adquieren una dominante azul. Los rojos se tornan magentas y las luces se tiñen de amarillo verdoso. Las pieles suelen quedar amarillentas en las zonas de las luces, y rosadas en las sombras, y los labios ligeramente morados. El aspecto efectista e irreal de este proceso quizá no funcionaba muy bien en un paisaje, o en el retrato de un alto directivo, pero encajó a la perfección en el excéntrico mundo de la moda, dando lugar dentro de ella a toda una corriente estética.

Ahora la fotografía digital ha popularizado el proceso de posproducción, antes accesible sólo para unos pocos. Infinidad de aplicaciones y softwares están al alcance de cualquier usuario, filtros y revelados que nos permiten imprimir en la imagen virados, contrastes, incluso texturas. Todo un laboratorio especializado a golpe de click.

Hacer un revelado cruzado en Photoshop es una técnica muy sencilla, que incluso podemos automatizar en una acción.

Lo primero es entender que el resultado dependerá mucho de la imagen a tratar. Cuanto menos contraste tenga la imagen y más luminosa sea, mejor resultado dará el proceso. Si la imagen está muy contrastada de por sí, o tiene muchas zonas oscuras, se puede aplicar el mismo efecto, pero menos forzado. Vamos allá:

1. Para empezar, crearemos una capa de curvas para acentuar el contraste de la imagen (utilizar siempre las curvas en una capa, nunca hacerlo sobre la propia imagen). Para ello, trazamos una S en las curvas, aclarando las luces y oscureciendo las sombras. Prefiero no especificar cuál tiene que ser el nivel de contraste porque dependerá de cada foto y, sobre todo, de cada autor. Una vez estemos satisfechos con la curva, se fusiona esta capa en modo luminosidad. Esto es importante porque cuando se modifica el canal RGB en las curvas, afecta también a la saturación de la imagen, y es mejor que el color se controle por otro lado.

2. Ahora crearemos una segunda capa de curvas para el tratamiento del color. Para hacernos una idea más exacta de cómo va quedando, antes de empezar a tocar los colores, se debe fusionar esta capa en modo color, de modo que la luminosidad no se verá afectada.

Si abrimos el desplegable de los canales de color, podemos seleccionarlos uno por uno y tratarlos por separado. En el canal rojo trazamos  una S parecida a la de la curva de luminosidad, aunque aquí el último punto de la curva (255) debemos arrastrarlo un poco para que quede pegado a la parte superior del gráfico. Vemos cómo las zonas luminosas de la foto se van tiñendo de un rojo muy poco agradable, pero tranquilidad, enseguida se corrige.

3. Con el canal verde debemos hacer especial hincapié en la zona de las luces, manteniendo las sombras casi intactas, o un poco subexpuestas, pero poco. Vemos que la dominante roja se corrige casi en su totalidad, tiñendo la imagen de un naranja verdoso en las zonas claras, mientras que las oscuras no difieren mucho del original.

4. En este paso es donde la imagen adquiere esa pátina azulada en las zonas oscuras que caracteriza al proceso cruzado. Para ello, desplegamos el canal azul y cogeremos el punto de la curva correspondiente al negro (0), y lo arrastraremos hacia arriba, manteniéndolo pegado a la izquierda. Lo desplazaremos hasta que veamos que los negros se empiezan a teñir de azul, pero sin que sea excesivo. Con el punto blanco (255) haremos lo mismo, arrastrándolo hacia abajo, pero en menor medida. Con esto ya casi podríamos dar el revelado por terminado, aunque aún podemos perfeccionarlo un poco.

5. Creamos una capa vacía, que rellenaremos de un color sólido para amarillear un poco más la imagen. Elegimos en la gráfica de color un buen amarillo pollo, y lo aplicamos, fusionando la capa en modo color. La opacidad de esta capa debe estar en torno a un 10% para que el resultado sea satisfactorio.

6. Por último, y eso ya es opcional (aunque yo creo que el resultado final se perfecciona) podemos crear una capa más, también en modo color y también con una opacidad del 10%, con el color inverso al amarillo que hayamos elegido (ctrl + I para conseguirlo), lo que restará un poco de dominante amarilla en determinadas zonas, e intensificará algo la dominante azul.

Y ya está,  con esto tendríamos un revelado cruzado bastante similar al que se obtenía cruzando los químicos, aunque de una forma más rápida, más precisa y, sobre todo, mucho más barata :). Sobra decir que, una vez aplicado el efecto, podemos corregir los puntos de las curvas, incluso la opacidad de las capas, hasta dar con el resultado óptimo para nuestra foto. Fácil, ¿no?

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Pero en los años 20 y 30 la fotografía de moda da un gran salto de la mano de fotógrafos como Edward Steichen, Hoyningen-Huene, o Horst P. Horst. Estos grandes artistas introdujeron el Modernismo en la imagen de moda, sacándola de la corriente pictorialista que había triunfado en años anteriores y renovándola con una estética mucho más puramente fotográfica.

Si nos paramos un momento a analizar estas tempranas imágenes, lo primero que podemos destacar es el uso de la forma como elemento protagonista. La geometría modernista está presente en todas y cada una de estas imágenes. Por regla general, los fondos están salpicados de líneas rectas, sobre los que destaca el elemento curvo: la mujer, protagonista por excelencia de la imagen de moda. Acompañando la curva femenina, muchas veces las composiciones se complementan con una serie de objetos cotidianos que ayudan a crear este contraste geométrico: la línea curva frente a la línea recta.

También tienen especial relevancia dentro de este estilo la importancia de las siluetas, que toman la forma de esos elementos geométricos convirtiéndose en figuras planas cargadas de líneas. Es curioso observar como ya en los tempranos años 30 la fuerza de la composición en la imagen de moda prima por encima del detalle del vestido. Podemos observar siluetas en elementos del decorado que se sitúan en el primer plano, en la propia figura femenina, que muchas veces oculta su cara manteniéndose en la sombra, o en las sombras proyectadas contra los fondos, recurso que ya comienzan a utilizar estos grandes pioneros de la iluminación.

Y es que a diferencia de las imágenes de moda que habían precedido el movimiento modernista, y diferenciándose también de la imagen realista que lo sucederá, los modernistas van a olvidarse de los grises medios centrándose en los blancos y en los negros, llenando las imágenes de interesantes contrastes.

No nos pasan desapercibidos los curiosos esquemas de iluminación que empleaban, tan diferentes a los que estamos acostumbrados a ver hoy día. Se ha hablado mucho de la magia de la iluminación de los años 20 y 30. Hoy día se parece mucho más a una iluminación teatral que a una iluminación típica de un estudio fotográfico; grandes contraluces cenitales marcan brillos en el cabello y los hombros de las modelos, provocan contraluces y marcan esas siluetas de las que hemos hablado. Esta luz teatral deja muchas veces el rostro del modelo en un segundo plano, ocultando la mirada, marcando sombras e incluso dejando subexpuesto al sujeto protagonista. Una vez más, la forma prima por encima de todo.

Queda hablar de las musas, de las protagonistas de estas escenas, esas mujeres elegantes y sofisticadas que supieron luchar por sus derechos en la época que les tocó vivir. Liberadas por fin de la cárcel de los atuendos en los que estuvieron encerradas durante tantos siglos, visten vestidos sueltos, mucho más funcionales. Sus poses son tranquilas y relajadas, no son agresivas, pero no son estáticas. De alguna forma nos trasmiten la sensación de que se están empezando a mover, poco a poco, de una forma muy sutil. No miran desafiantes a cámara pero tampoco están quietas. Sus manos buscan algo que hacer, una pequeña acción que será el comienzo de una progresiva y gran revolución. Una actitud que estos grandes maestros, estos primeros gurús de la moda, supieron ver, y supieron reflejar.

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